Warhol a juicio por la banana más Pop

Andy Warhol, artista pop por excelencia, fue también un infalible detector de talento y un activo productor de personajes y artistas. A mediados de los años sesenta Warhol apadrinó a la banda musical The Velvet Underground y los hizo famosos mundialmente. En 1966 produjo su primer album, "The Velvet Underground and Nico", y realizó el diseño de tapa con la famosa banana (plátano) que se convirtió en una imagen icónica. La fundación de Warhol, creada después de la muerte del artista en 1987, ha estado explotando esa imagen al permitir su uso para la venta de diferentes accesorios, como bolsos o fundas de teléfonos móviles. Hasta ahora. Los creadores del grupo, Lou Reed y John Cale han interpuesto una demanda en un tribunal de Nueva York contra la fundación de Andy Warhol por el uso comercial de la simbólica imagen del plátano. Aseguran que la fundación no tiene derechos de autor sobre la imagen y reclaman una orden para que no se le permita usarla para la venta de productos y una compensación por daños. Aseguran que el diseño del plátano es un elemento significativo de la mercadotecnia de The Velvet Underground y ellos no han aprobado la explotación de la imagen durante los últimos 25 años. Al parecer el grupo quiere evitar el uso de las bananas por terceras partes, ya que la Fundación tiene intención de aprovechar la imagen para que Apple la utilice en fundas y mochilas para iPads e IPhones, algo que ha irritado sumamente a la banda.
La demanda recien comienza, hay millones en juego y es muy pronto para saber que decidirá la justicia. Les dejo imagen de mi bolso de Andy Warhol que incluye la icónica banana de The Velvet Underground.

Crisis en el Louvre por agresiva restauración de un Da Vinci

El patrimonio artístico lo conforman bienes que son testimonios simbólicos de la humanidad en un momento de su historia. La conservación y restauración de las obras de arte han alcanzado en los últimos treinta años tal grado de especialización en técnicas y conocimientos que los procesos semejan operaciones quirúrgicas programadas sin oportunidad de error. Los restauradores se convierten en cirujanos del arte. Tanto la conservación y la restauración atienden a la función de salvamento de una obra de arte bajo una premisa: la mínima intervención necesaria para frenar su deterioro y que toda intervención sea reversible.
La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana, de Leonardo da Vinci, es un cuadro propiedad del Museo del Louvre que hoy es eje de una gran polémica a causa de una controvertida restauración a la que está siendo sometido. En 1993, los conservadores del Louvre decidieron que era necesario limpiarlo ya que los rostros de la virgen y el niño estaban desapareciendo, el manto se difuminaba por demás y hacía falta quitar algunas manchas. Recien en 2010, tras una larga fase de estudio, el comité de 20 reputados expertos y asesores internacionales que trabajan para el Louvre consideró que había llegado el momento de tocar la tela. Pero los desacuerdos fueron surgiendo en seguida, a medida que avanzaban los trabajos de limpieza y se decidía cómo seguir y hasta dónde llegar. Los distintos criterios han hecho renunciar al proyecto a dos eminencias: Ségolène Bergeon Langle, ex directora de conservación del Louvre y de los museos nacionales franceses, y Jean-Pierre Cuzin, ex director de pintura del Louvre, quienes afirman que el grado de limpieza ha sido demasiado agresivo, se han "rellenado huecos" y la intervención ha sido demasiado drástica, cambiando radicalmente la obra en cuestión.
¿Qué ha pasado realmente con esta pieza? La verdad será revelada en marzo cuando el Louvre vuelva a exponer el cuadro, uno de los más complejos de Da Vinci y que, según Freud, certificaba la homosexualidad del genio renacentista.

Polémica en el arte británico: Hockney vs. Hirst

Arriba Hirst. Abajo, Hockney.

El mundo del arte británico está en guerra por estos dos personajes. ¿Quién es quién?

David Hockney tiene 74 años y es uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Conocido por sus pinturas satíricas y su obra gráfica, es una de las figuras más representativas del pop art y el próximo 17 de enero inaugura su nueva exposición en la Royal Academy of Arts en Londres.
Damien Hirst tiene 46 años y es uno de los artistas vivos más cotizados y polémicos del mundo. Forma parte del movimiento artístico conocido como Young British Artists, donde prima lo conceptual y la capacidad de promoción de los artistas y es conocido por sus esculturas de animales diseccionados (hechos por taxidermistas) y por su calavera de diamantes vendida por 50 millones de libras (creada por el joyero Bentley y Skinner). Si, Hirst no es el "autor material" de las obras.
La polémica comenzó con una entrevista a Hockney publicada en RadioTimes donde el artista atacó a Hirst por emplear asistentes para que terminen su obras y no hacerlas él mismo. Además, cuando le preguntaron si la frase que aparece en uno de los carteles de su próxima muestra en la que puede leerse "Todos los trabajos expuestos son obra personal del artista" hacía referencia a Damien Hirst, Hockney asintió y añadió:"Yo solía insistir en la escuela de arte que puedes enseñar las técnicas, pero no puedes enseñar la poesía. Pero ahora intentan enseñar la poesía y no la técnica". Recordemos que la contratación de ayudantes en el mundo del arte no es novedad: desde Miguel Angel a Andy Warhol tuvieron asistentes y esa es la excusa que utiliza Hirst y otros artistas contemporáneos para justificarse.
Luego del escándalo desatado por los dichos de Hockney, la Royal Academy ha emitido un comunicado afirmando que todo ha sido sacado de contexto y que no hubo crítica alguna. Cierto o no, el debate está instalado: Técnica vs. arte conceptual. Trabajo manual y oficio vs. "poesía".
¿Y ustedes? ¿de qué lado están?

Robó, huyó...y lo devolvió

"Olympia" Magritte

El robo de obras de arte es algo que, si bien ha existido siempre, ha comenzado a ser más frecuente en las últimas décadas, acompañando el aumento del valor de las obras.En 2009 fue robada una obra del artista surrealista belga René Magritte y ahora fue devuelta luego de que los ladrones fracasaran en su intento de encontrar un comprador en el mercado negro. La obra "Olympia"es un cuadro de 60 x 80 centímetros, fue pintado por Magritte en 1948, es un
desnudo de su mujer Georgette y está valorada entre tres y cuatro millones de euros. El cuadro fue robado por dos hombres que ingresaron armados con una pistola a la casa/museo en Jette, al norte de Bélgica. Pero la "Olympia" era demasiado cara y demasiado famosa: muy dificil de vender. La pintura se convirtió en un problema y decidieron deshacerse de ella. Afortunadamente no la destruyeron si no que, a través de un experto en arte, se ofrecieron a devolverla. Hoy el museo ya ha recuperado la obra pero la investigación sobre el robo continúa.
Los criminales que roban las piezas son el primer eslabón de la cadena, dificilmente sean ellos mismos los que consiguen al comprador. En la compleja red de la reventa muchas veces son galeristas o anticuarios quienes reciben las obras ignorando su procedencia ilícita o sin preguntar demasiado y terminan vendiendo la pieza a algun coleccionista. Existe la idea romántica de que las piezas robadas terminan colgadas en un rincón oculto, un sotano o una bóveda, y están siendo disfrutadas por algun excéntrico millonario pero no siempre es así. Poner la obra de vuelta en el mercado no es tarea facil, los cuadros a veces terminan destruidos u ocultos durante largos años. Cientos de piezas han sido y son robadas y su destino es un misterio.